Primul instrument muzical descoperit a fost flautul osos acum 35.000 de ani, deși oamenii cântau cu mult înainte. În timp, înțelegerea modului în care se face muzica crește. Deși nu trebuie să înțelegeți totul despre scara muzicală, ritm, melodie și armonie pentru a crea o piesă de artă muzicală, înțelegerea unor concepte vă va ajuta să apreciați mai mult muzica și să creați melodii mai bune.
Etapa
Partea 1 din 4: Sunete, note și scale
Pasul 1. Înțelegeți diferența dintre „ton” și „notă”
'' '' 'Acest termen descrie calitatea sunetului muzicii. Deși cei doi termeni sunt înrudiți, aceștia sunt folosiți diferit.
- „Pitch” se referă la frecvența joasă sau înaltă a sunetului. Cu cât frecvența este mai mare, cu atât tonul este mai mare. Diferența de frecvență între două tonuri se numește „interval”.
- „Nu” este tonul terenului. Frecvența obișnuită pentru notele între A și C este de 440 hertz, dar unele orchestre folosesc un standard diferit, cum ar fi 443 hertz, pentru un sunet mai clar.
- Majoritatea oamenilor pot stabili dacă o notă se joacă cel mai bine atunci când este asociată cu o altă notă sau într-o serie de note dintr-o melodie pe care o cunosc. Aceasta se numește „pas relativ”. Între timp, puțini oameni au „ton absolut” sau „ton perfect”, care este capacitatea de a identifica o notă fără a-i asculta referința.
Pasul 2. Înțelegeți diferența dintre „timbru” și „ton
„””Acest termen este folosit în mod obișnuit pentru instrumentele muzicale.
- „Timbre” este o combinație între notele principale (fundamentale) și cele din spate (ton) care sună atunci când un instrument muzical cântă o notă. Când strângeți un E scăzut pe o chitară acustică, auziți nu numai E scăzut, ci și notele suplimentare care rezultă din acea frecvență scăzută E. Combinația acestor sunete este cunoscută sub numele de „armonici” și este ceea ce face ca sunetul unui instrument muzical să fie diferit de celelalte instrumente muzicale.
- „Ton” este un termen mai vag. Aceasta se referă la efectul combinației notelor principale și posterioare pe urechea ascultătorului, adăugate de armoniile puternice ale unei note din timbru, rezultând un ton mai deschis sau mai ascuțit. Cu toate acestea, dacă este redus, tonul redus va fi mai moale.
- „Ton” se referă, de asemenea, la intervalul dintre două note, care este, de asemenea, cunoscut sub numele de lovitură completă. Jumătate din interval se numește „semiton” sau jumătate de pas.
Pasul 3. Denumiți nota
Notele muzicale pot fi denumite în mai multe moduri. Există două metode utilizate în mod obișnuit în majoritatea țărilor occidentale.
- Numele literelor: notelor cu o anumită frecvență li se atribuie nume de litere. În țările vorbitoare de limbă engleză și olandeză, notele sunt în ordine de la A la G. În țările vorbitoare de limbă germană, „B” este utilizat pentru notele B plate (tastele negre de pian între A și B), iar litera „H” este desemnat pentru bemol major (tasta B albă la pian).
- Solfeggio (denumit în mod obișnuit „solfeț” sau „sofeo”): acest sistem este cunoscut fanilor „The Sound of Music”, prin faptul că atribuie un nume cu o singură silabă unei note, pe baza poziției sale pe scară. Acest sistem a fost dezvoltat de un călugăr din secolul al XI-lea, numit Guido d'Arezzo, folosind „ut, re, mi, fa, sol, la, si”, preluat din prima linie din cântecul Sfântului Ioan Botezătorul. De-a lungul timpului, „ut” a fost înlocuit cu „do”, apoi „sol” a fost înlocuit cu „so” și „ti” a fost înlocuit cu „si” (unele țări folosesc numele de solfeggio în același mod ca sistemul de litere din Western țări.).
Pasul 4. Aranjați ordinea notelor în scară
O scală este o secvență de intervale între diferite tonuri, aranjate astfel încât cel mai înalt ton să fie la o distanță de două ori mai mare decât frecvența celui mai mic ton. Acest nivel de pitch se numește octavă. Următoarele sunt scale comune:
- Scara cromatică completă utilizează 12 intervale de jumătate de pas. Redarea unei octave a pianului de la C la un C mai mare și sunarea tastelor albe și negre între ele, produce o scară cromatică. O altă scară este o formă mai limitată a acestei scări.
- Scara majoră folosește șapte intervale: primul și al doilea sunt pași complet; al treilea este pe jumătate; al patrulea, al cincilea și al șaselea sunt pași plini, iar al șaptelea sunt pași la jumătate. Jucarea unei octave la pian de la C la C ridicat sunând doar tastele albe este un exemplu de scară majoră.
- Scara minoră folosește, de asemenea, șapte intervale. Forma comună este scara minoră naturală. Primul interval este un pas complet, dar al doilea este o jumătate de pas, al treilea și al patrulea sunt un pas complet, al cincilea este o jumătate de pas, apoi al șaselea și al șaptelea sunt un pas complet. Jucând o octavă la pian de la A la A, sunând doar tastele albe este un exemplu de scară minoră.
- Scara pentatonică utilizează cinci intervale. Primul interval este un pas complet, următorii sunt trei pași pe jumătate, al treilea și al patrulea sunt pași complet, iar al cincilea sunt trei pași pe jumătate (în tasta C, notele utilizate sunt C, D, F, G, A, apoi înapoi la C). De asemenea, puteți juca scara pentatonică apăsând pur și simplu tasta neagră între C și C înalt la pian. Scara pentatonică este adesea utilizată în muzica africană, asiatică de est și nativă americană, precum și în muzica populară / populară.
- Cea mai mică notă pe o scală se numește „cheie”. De obicei, ultima notă dintr-o melodie este nota cheie a melodiei; melodiile scrise cu tasta C se termină de obicei cu tasta C. Numele tastelor depind de obicei de zona scalei de redare a melodiei (majoră sau minoră); când scara nu este denumită, de obicei este considerată imediat o scară majoră.
Pasul 5. Folosiți obiecte ascuțite și alunițe pentru a ridica și coborî pitchul
Ascuțiturile și alunițele ridică și coborâ pitchul cu o jumătate de pas. Ascuțitele și alunițele sunt foarte importante atunci când se joacă alte taste decât Do major sau La minor, pentru a menține corect modelul de interval al scalei majore și minore.
- Simbolul ascuțit este de obicei scris cu simbolul gardului (#), care este util pentru ridicarea tonului cu o jumătate de pas. În tastele de sol major și mi minor, F este ridicat cu o jumătate de pas pentru a deveni un F. ascuțit.
- Simbolul aluniței este de obicei scris cu simbolul „b”, care este util pentru coborârea pitch-ului cu o jumătate de pas. În cheia F major și Re minor, B este coborât cu o jumătate de pas pentru a deveni un mol al B.
- Pentru a ușura citirea muzicii, există întotdeauna o indicație în notele muzicale pentru care notele trebuie întotdeauna ridicate sau coborâte în anumite taste. Accidental trebuie utilizat pentru note în afara tastei majore sau minore a cântecului scris. Astfel de accidentale sunt utilizate numai pentru anumite note înainte ca o linie verticală să separe ritmul.
- Simbolul natural, care arată ca un paralelogram cu linii verticale care rulează în sus și în jos de la cele două linii, este utilizat în fața oricărei note care trebuie ridicată sau coborâtă, pentru a indica faptul că nota nu trebuie plasată în cântec. Simbolurile naturale nu sunt afișate niciodată în simbolurile cheie, dar pot anula efectul clar sau alunit al ritmului melodiei.
Partea 2 din 4: Bătăi și ritm
Pasul 1. Înțelegeți diferența dintre „bătăi”, „ritm” și „tempo”
„””Există o legătură între acești termeni.
- Beat”se referă la ritmurile individuale din muzică. Un ritm poate fi definit ca o notă sonoră sau o perioadă de tăcere numită pauză. Bătăile pot fi împărțite în mai multe note sau mai multe bătăi pot fi plasate în note simple sau în pauze.
- „Ritmul” este o succesiune de ritmuri sau ritmuri. Ritmul este determinat de modul în care notele și pauzele sunt aranjate într-un cântec.
- „Tempo” se referă la cât de repede sau lent este redat un cântec. Cu cât tempo-ul unei melodii este mai rapid, înseamnă mai multe bătăi pe minut. „Valsul albastru al Dunării” are un tempo lent, în timp ce „The Stars and Stripes Forever” are un tempo rapid.
Pasul 2. Grupează bătăile în ritmuri
Ritmul este o colecție de ritmuri. Fiecare bătăi are același număr de bătăi. Numărul de ritmuri pe ritm este o indicație a muzicii scrise cu marcaje temporale, care arată ca fracții fără linia care decide numărătorul și numitorul.
- Numărul de mai sus indică numărul de bătăi pe bătăi. Numerele sunt de obicei 2, 3 sau 4, dar uneori ajung la 6 sau mai mult.
- Numerele de mai jos indică tipul de notă care obține un ritm complet. Când numărul de jos este 4, nota sfertului (arată ca un oval deschis cu o linie atașată) primește un ritm complet. Când numărul de mai jos este 8, nota a opta (arată ca o notă de sfert cu steagul atașat) primește un ritm complet.
Pasul 3. Căutați bătăi stresate
Ritmul va fi determinat în funcție de tipul de ritm apăsat și nu de ritmul unei melodii.
- Multe melodii au ritmul apăsat pe primul ritm sau la începutul melodiei. Bătăile rămase, sau bătăile ascendente, nu sunt accentuate, deși într-o melodie cu patru bătăi, cea de-a treia bătăie poate fi accentuată, dar într-un grad mai mic decât cea inversă. Bătăile accentuate sunt, de asemenea, numite uneori bătăi puternice, în timp ce bătăile neaccentuate sunt uneori numite bătăi slabe.
- Unele melodii au lovit ritmul în loc de la începutul melodiei. Acest tip de accent este cunoscut sub numele de sincopare, iar un ritm puternic suprimat se numește ritm spate.
Partea 3 din 4: Melodie, armonie și acord
Pasul 1. Înțelegeți melodia după melodia sa
„Melody” este o serie de note dintr-o melodie pe care oamenii le pot auzi clar, pe baza tonului notelor și a ritmului jucat.
- Melodia este compusă din diverse fraze care formează ritmul melodiei. Fraza poate fi repetată pe tot parcursul melodiei, ca în colindul de Crăciun „Deck the Halls”, cu prima și a doua linie a cântecului folosind aceeași secvență de note.
- Structura unui cântec melodic standard este de obicei o melodie pentru un vers și o melodie corespunzătoare în cor sau cor.
Pasul 2. Combină melodii și armonii
„Harmony” este o notă redată în afara melodiei pentru a amplifica sau contracara sunetul. După cum sa menționat mai devreme, multe instrumente cu coarde produc mai multe note atunci când sunt tocate; Note suplimentare care sună cu tonul de bază este o formă de armonie. Armonia poate fi obținută folosind acorduri muzicale.
- Armoniile care amplifică un sunet melodic sunt numite „consoane”. Notele suplimentare care sună împreună cu nota de bază atunci când corzile de chitară sunt smulse sunt o formă de armonie consonantă.
- Armoniile care sunt opuse melodiei sunt numite „disonante”. Armoniile disonante pot fi create jucând melodii opuse în același timp, cum ar fi atunci când cânți „Row Row Row Your Boat” într-un cerc mare, fiecare grup cântând-o la un moment diferit.
- Multe cântece folosesc disonanța ca modalitate de a exprima sentimente neliniștite și treptat duc la armonie consonantă. De exemplu, în piesa „Row Row Row Your Boat” de mai sus, când fiecare grup cântă ultimul vers, piesa devine mai liniștită până când ultimul grup cântă partea lirică „Viața este doar un vis”.
Pasul 3. Stivați note pentru a genera acorduri
O coardă se formează atunci când sună trei sau mai multe note, de obicei în același timp, deși nu întotdeauna așa.
- Acordurile folosite cel mai adesea sunt triade (care sunt formate din trei note), fiecare notă succesivă fiind cu două note mai mare decât nota precedentă. În acordul C major, notele conținute în acesta sunt C (ca bază a acordului), E (al treilea major) și G (al cincilea major). În acordurile de Do minor, E se înlocuiește cu un Mi ascuțit (al treilea minor).
- O altă coardă frecvent utilizată este cea de-a șaptea (a 7-a), cu adăugarea unei note a patra la triada, care este a șaptea notă a notei de bază. Acordul C Major 7 adaugă un B la triada C-E-G pentru a forma secvența C-E-G-B. A șaptea coardă sună mai disonant decât triada.
- Este posibil să utilizați o coardă diferită pentru fiecare notă dintr-o melodie; Iată ce creează o armonie în stilul cvartetului frizerului. Cu toate acestea, acordurile sunt de obicei împerecheate cu notele găsite în ele, cum ar fi redarea unei acorduri în do major pentru a însoți nota E într-o melodie.
- Multe piese sunt redate doar cu trei acorduri, acordurile de bază de pe scară fiind prima, a patra și a cincea. Această coardă este reprezentată de numerele romane I, IV și V. În cheia de Do major, ar fi Do major, Fa major și Sol major. Uneori, a șaptea coardă este înlocuită cu o coardă de V major sau minor, așa că atunci când cântați în Do major, coarda V va deveni G major 7.
- Acordurile I, IV și V sunt interconectate între taste. Acordul F major este acordul IV în tonalitatea Do major, acordul C major este acordul V în tonalitatea Fa major. Acordul de sol major este acordul de V în tonalitatea de Do major, dar acordul de Do major este acordul de IV în tonalitatea de Sol major. Relațiile dintre aceste taste continuă în alte acorduri și sunt realizate într-o diagramă numită cerc de cincimi.
Partea 4 din 4: Tipuri de instrumente muzicale
Pasul 1. Loviți percuția pentru a produce muzică
Instrumentele de percuție sunt considerate a fi cele mai vechi instrumente muzicale. Majoritatea percuției sunt folosite pentru a genera și menține ritmul, deși unele percuții pot produce melodii sau armonii.
- Instrumentele de percuție care produc sunet prin vibrarea întregului corp se numesc idiofoane. Acestea sunt instrumente muzicale care sunt bătute împreună, precum cinele și castanele, și instrumente muzicale care sunt bătute cu alte instrumente, cum ar fi tobe, triunghiuri și xilofoane.
- Instrumentele de percuție cu „piele” sau „cap” care vibrează atunci când sunt lovite se numesc membranofoane. Instrumente muzicale care includ tobe, cum ar fi timpani, tom-toms și bongos. La fel și cu instrumentele muzicale care au corzi sau bețe atașate și vibrează atunci când sunt trase sau frecate, cum ar fi vuietul leului sau cuica.
Pasul 2. Suflați un instrument de suflat pentru a face muzică
Instrumentele suflante produc un sunet vibrant atunci când sunt suflate. De obicei, există multe găuri diferite pentru a produce diverse note, astfel încât acest instrument este potrivit pentru a cânta în melodii sau armonii. Instrumentele suflante sunt împărțite în două tipuri: flauturi și țevi din stuf. Flautul produce sunet atunci când își vibrează întregul corp, în timp ce țeava de stuf vibrează materialul din corpul său pentru a produce sunet. Aceste două instrumente sunt împărțite în continuare în două subtipuri.
- Un flaut deschis produce sunet prin ruperea fluxului de aer suflat la capătul instrumentului. Flautele de concert și flauturile sunt exemple de tipuri de flauturi deschise.
- Flautul închis produce aer în conductele instrumentului, provocând vibrația instrumentului. Înregistratoarele și organele de țevi sunt exemple de flauturi închise.
- Instrumentele cu stuf unic plasează stuful pe instrumentul în care este suflat. Când este suflată, stuful vibrează aerul din interiorul instrumentului pentru a produce sunet. Clarinetul și saxofonul sunt exemple de instrumente cu stuf unic (deși corpul saxofonului este din alamă, saxofonul este încă considerat un instrument de suflat, deoarece folosește o stuf pentru a produce sunet).
- Instrumentele muzicale cu stuf dublu folosesc două stufuri care sunt înfășurate la capătul instrumentului. Instrumentele precum oboiul și fagotul plasează cele două trestii direct pe buzele suflantei, în timp ce instrumente precum cromhornul și cimpoiul acoperă trestia.
Pasul 3. Suflați un instrument de alamă cu buzele închise pentru a produce un sunet
Spre deosebire de flauturi, care depind de fluxul de aer, instrumentele de alamă vibrează cu buzele suflantei pentru a produce sunet. Instrumentele muzicale din alamă sunt numite astfel deoarece multe dintre ele sunt fabricate din alamă. Aceste instrumente sunt grupate în funcție de capacitatea lor de a schimba sunetul schimbând distanța prin care curge aerul. Acest lucru se face folosind două metode.
- Trombonul folosește o pâlnie pentru a modifica distanța fluxului de aer. Tragerea muștiucului în afară va prelungi distanța și va reduce pasul. Între timp, apropierea distanței va ridica tonul.
- Alte instrumente din alamă, cum ar fi trompete și tuburi, utilizează supape în formă de pistoane sau chei pentru a prelungi sau scurta fluxul de aer din interiorul instrumentului. Aceste supape pot fi apăsate individual sau în combinație pentru a produce sunetul dorit.
- Flautele și instrumentele de alamă sunt adesea considerate instrumente de suflat, deoarece trebuie să fie suflate pentru a produce sunet.
Pasul 4. Vibrați corzile unui instrument cu coarde pentru a produce sunet
Corzile unui instrument cu coarde pot vibra în trei moduri: smulse (la chitară), lovite (ca la dulcimer) sau strânse (folosind arcul pe vioară sau violoncel). Instrumentele cu coarde pot fi folosite pentru a însoți un ritm sau o melodie și pot fi împărțite în trei categorii:
- Harpa este un instrument cu coarde cu corp și gât care rezonează, la fel ca în cazul viorilor, chitarelor și banjo-urilor. Există șiruri de aceeași dimensiune (cu excepția șirurilor joase din banjo cu cinci șiruri) de grosimi diferite. Corzile mai groase produc note mai mici, în timp ce corzile mai subțiri produc note mai mari. Corzile pot fi derulate în mai multe puncte pentru a ridica sau coborî pitchul.
- Harpa este un instrument cu coarde ale cărui corzi sunt atașate la un schelet. Corzile de pe harpă sunt în ordine verticală și se scurtează cu fiecare succesiune. Partea inferioară a coardei de harpă este conectată la corpul rezonant sau la placa de sunet.
- Sitar este un instrument cu coarde montat pe corp. Corzile pot fi lovite sau smulse, ca pe o harpă, sau lovite direct ca pe un dulcimer ciocănit, sau indirect ca pe un pian.
Sugestie
- Scalele majore și minore naturale sunt legate de faptul că scara minoră a două note cheie este mai mică decât scala majoră, care va ascuți sau aplatiza aceleași note. Astfel, tastele de Do major și A minor, care nu utilizează note ascuțite / plate, împărtășesc aceleași caracteristici cheie.
- Anumite instrumente muzicale și combinații de alte instrumente muzicale sunt asociate cu anumite tipuri de muzică. De exemplu, un cvartet de coarde cu două viori, o viola și un violoncel este de obicei folosit pentru a cânta muzică clasică numită muzică de cameră. Formațiile de jazz produc de obicei ritmuri la tobe, pian, posibil două basuri sau tubă și trompetă, trombon, clarinet și saxofon. Poate fi distractiv să cânți câteva melodii cu instrumente folosite diferit decât ar trebui, așa cum a făcut „Weird Al” Yankovic. El cântă melodiile sale rock folosind acordeonul în stil polka.
